В России жанр инструментального концерта достиг высочайшего расцвета в творчестве Чайковского (скрипичный и три фортепьянных концерта). дрелью, болгаркой, набором отвёрток и гаечных ключей. Инструментальный концерт — Концерт (итал. concerto, лат. concertus) музыкальное сочинение, написанное для одного или нескольких инструментов, с аккомпанементом оркестра, с целью дать возможность солистам выказать виртуозность исполнения.
Инструментальный концерт Само это слово вам, конечно, знакомо, особенно в первом его значении
- Понятие инструментального концерта, специфика
- Остались вопросы?
- Значение слова инструментальный концерт
- Особенности инструментального концерта
- Инструментальный концерт в музыке: понятие, особенности, примеры
- Урок музыки: Понятие инструментального концерта, специфика
Инструментальный концерт: история, понятие, специфика
| Инструментальный концерт это кратко | Определение и характеристики Инструментальный концерт — это музыкальное произведение, в котором солирование осуществляется инструментом, а не голосом. |
| Что такое инструментальный концерт в музыке? | Главная» Новости» Инструментальный концерт это в музыке. |
Инструментальный концерт
Он является одним из самых популярных и уникальных жанров классической музыки. История развития инструментального концерта Инструментальный концерт представляет собой форму музыкального произведения, в котором один или несколько инструментов выступают с сольными партиями, сопровождаемыми оркестром или другими инструментами. В истории музыки инструментальный концерт существует с древних времен. Однако его развитие как самостоятельного жанра началось в эпоху барокко. Отец инструментального концерта считается итальянский композитор Антонио Вивальди 1678-1741. Вивальди является автором серии концертов для скрипки и других инструментов, известной как «Времена года». В этих произведениях Вивальди ярко и выразительно передает настроение и особенности каждого времени года через музыку. Следующим важным композитором, внесшим значительный вклад в развитие инструментального концерта, был Иоганн Себастьян Бах 1685-1750.
Бах написал множество концертов для клавесина, скрипки, флейты и других инструментов. Его концерты отличаются сложными контрапунктами, разнообразием тем и техническими сложностями для исполнителя. Бетховен создал пять концертов для фортепиано, а также концерты для скрипки и виолончели. Его произведения отличаются глубоким выражением эмоций и великолепным строем. Моцарт также внес свой вклад в развитие инструментального концерта, написав 27 концертов для фортепиано, флейты, скрипки и других инструментов. Концерты Моцарта отличаются изящностью и элегантностью. В XX веке инструментальный концерт продолжает развиваться различными направлениями: от классицизма и романтизма до новаторских и экспериментальных подходов.
Современные композиторы, такие как Игорь Стравинский, Дмитрий Шостакович, Арам Хачатурян и Пьер Булез, привносят в жанр инструментального концерта новые идеи и техники. Известные композиторы инструментальных концертов Инструментальные концерты являются одной из основных форм музыкального искусства. Они рассказывают истории и передают эмоции через музыку, а мастерство и виртуозность исполнителя достигают своего высшего проявления. В истории музыки есть множество выдающихся композиторов, которые создали незабываемые инструментальные концерты. Вот несколько из них: Иоганн Себастьян Бах 1685-1750 Бах является одним из величайших композиторов всех времен. В его творчестве можно найти множество инструментальных концертов для различных инструментов, включая скрипку, фортепиано и орган. Особенно известны его «Концерты для скрипки и оркестра» и «Бранденбургские концерты».
Вольфганг Амадей Моцарт 1756-1791 Моцарт считается великим музыкантом эпохи классицизма. Он написал множество инструментальных концертов для различных инструментов, включая фортепиано, скрипку и флейту. Людвиг ван Бетховен 1770-1827 Бетховен считается одним из самых великих композиторов всех времен. Пётр Ильич Чайковский 1840-1893 Чайковский является одним из величайших русских композиторов.
В инструментальном концерте используются различные музыкальные инструменты, которые могут быть сольными или ансамблевыми. Вот некоторые популярные инструменты, которые часто встречаются в инструментальных концертах: Скрипка: Скрипка является одним из самых популярных инструментов в инструментальном концерте. Она имеет широкий диапазон звуков и выразительную силу.
Фортепиано: Фортепиано также является популярным инструментом в инструментальных концертах. Оно имеет широкий звуковой диапазон и способно выразить различные эмоции. Флейта: Флейта — грациозный и чистый инструмент, часто используется в инструментальном концерте. Она может играть высокие и низкие ноты, создавая эффектные мелодии. Примером известного инструментального концерта для флейты является «Концерт для флейты, арфы и струнного оркестра» Моцарта. Виолончель: Виолончель — это инструмент с богатым звучанием и эмоциональной силой. В инструментальном концерте виолончель может играть роль солиста или входить в состав струнного оркестра.
Известные инструментальные концерты для виолончели включают «Концерт для виолончели с оркестром» Эльгара и «Концерт для виолончели и оркестра» Дворжака. Труба: Труба — мощный инструмент, который добавляет яркость и величие в инструментальный концерт. Она способна играть высокие ноты и создавать эмоциональные мелодии. Примером известного инструментального концерта для трубы является «Концерт для трубы и оркестра» Артура Хонеггера. Это лишь некоторые из популярных инструментов, которые встречаются в инструментальном концерте. Они играют важную роль в создании эмоциональной и выразительной музыки. Благодаря разнообразию инструментов, инструментальный концерт предлагает слушателям широкий выбор музыкальных переживаний и впечатлений.
Влияние инструментального концерта на современную музыку Инструментальный концерт является одним из наиболее значимых жанров классической музыки, который существует уже несколько веков. Его влияние на современную музыку не может быть недооценено. В этом разделе мы рассмотрим несколько основных способов, которыми инструментальный концерт влияет на современную музыку. Техническое мастерство Инструментальный концерт требует высокого технического мастерства от исполнителей. Музыканты, играющие на инструментальных концертах, должны быть виртуозами, чтобы исполнить сложные партии и проявить все свои навыки и таланты. Это влияет на современную музыку, так как музыканты-исполнители, исполняющие сложные инструментальные партии, часто являются источниками вдохновения для других музыкантов. Они становятся образцом мастерства и техники, которые другие музыканты пытаются повторить и развить.
Эксперименты со звуком Инструментальный концерт предлагает богатое звуковое пространство для музыкантов, в котором они могут экспериментировать с различными звуками, тональностями и техниками игры на инструментах. Это влияет на современную музыку, так как музыканты могут использовать эти эксперименты и новые идеи в своей музыке.
Отец инструментального концерта считается итальянский композитор Антонио Вивальди 1678-1741. Вивальди является автором серии концертов для скрипки и других инструментов, известной как «Времена года». В этих произведениях Вивальди ярко и выразительно передает настроение и особенности каждого времени года через музыку. Следующим важным композитором, внесшим значительный вклад в развитие инструментального концерта, был Иоганн Себастьян Бах 1685-1750. Бах написал множество концертов для клавесина, скрипки, флейты и других инструментов. Его концерты отличаются сложными контрапунктами, разнообразием тем и техническими сложностями для исполнителя. Бетховен создал пять концертов для фортепиано, а также концерты для скрипки и виолончели.
Его произведения отличаются глубоким выражением эмоций и великолепным строем. Моцарт также внес свой вклад в развитие инструментального концерта, написав 27 концертов для фортепиано, флейты, скрипки и других инструментов. Концерты Моцарта отличаются изящностью и элегантностью. В XX веке инструментальный концерт продолжает развиваться различными направлениями: от классицизма и романтизма до новаторских и экспериментальных подходов. Современные композиторы, такие как Игорь Стравинский, Дмитрий Шостакович, Арам Хачатурян и Пьер Булез, привносят в жанр инструментального концерта новые идеи и техники. Известные композиторы инструментальных концертов Инструментальные концерты являются одной из основных форм музыкального искусства. Они рассказывают истории и передают эмоции через музыку, а мастерство и виртуозность исполнителя достигают своего высшего проявления. В истории музыки есть множество выдающихся композиторов, которые создали незабываемые инструментальные концерты. Вот несколько из них: Иоганн Себастьян Бах 1685-1750 Бах является одним из величайших композиторов всех времен.
В его творчестве можно найти множество инструментальных концертов для различных инструментов, включая скрипку, фортепиано и орган. Особенно известны его «Концерты для скрипки и оркестра» и «Бранденбургские концерты». Вольфганг Амадей Моцарт 1756-1791 Моцарт считается великим музыкантом эпохи классицизма. Он написал множество инструментальных концертов для различных инструментов, включая фортепиано, скрипку и флейту. Людвиг ван Бетховен 1770-1827 Бетховен считается одним из самых великих композиторов всех времен. Пётр Ильич Чайковский 1840-1893 Чайковский является одним из величайших русских композиторов. Сергей Рахманинов 1873-1943 Рахманинов был выдающимся русским композитором и пианистом. Его музыка отличается глубоким эмоциональным содержанием и виртуозностью исполнения. Это лишь небольшая часть композиторов, которые создали незабываемые инструментальные концерты.
Их музыка до сих пор восхищает слушателей и является важной частью классической музыкальной культуры.
Инструментальный концерт позволяет слушателю наслаждаться виртуозностью и техническими возможностями солиста, а также наслаждаться слаженным взаимодействием инструментов оркестра. Истоками инструментального концерта являются барочные концерты, например, концерты Иоганна Себастьяна Баха или Антонио Вивальди. Инструментальные концерты были популярны в эпоху классицизма, благодаря творчеству Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена. Примерами известных инструментальных концертов являются: Концерт для скрипки и оркестра никогда не выходит из моды. Известные произведения в этой категории включают «Концерт для скрипки и оркестра N1» Паганини, «Концерт для скрипки и оркестра N1» Чайковского и «Концерт для скрипки и оркестра» Брамса. Концерт для фортепиано и оркестра также пользуется популярностью.
Известные концерты в этой категории включают «Концерт для фортепиано и оркестра N2» Рахманинова, «Концерт для фортепиано и оркестра N5» Бетховена и «Концерт для фортепиано с оркестром N1» Чайковского. Концерт для скрипки и виолончели с оркестром — это особый жанр инструментального концерта. Известными произведениями в этой категории являются «Двойной концерт для скрипки и виолончели в ре миноре» Брамса или «Сюита на темы русских песен» Рахманинова. Инструментальный концерт до сих пор является популярной формой музыкального искусства. Это жанр, позволяющий слушателю насладиться профессионализмом солиста и красотой оркестрового звучания. Определение и характеристики Инструментальный концерт — это музыкальное произведение, в котором солирование осуществляется инструментом, а не голосом. Он отличается от вокального концерта, где основным сольным инструментом является голос.
Основные характеристики инструментального концерта: Солистичность: инструментальный концерт предполагает сольное исполнение определенного инструмента, который выделяется из оркестра. Виртуозность: инструментальные концерты часто требуют высокого мастерства исполнителя и демонстрируют его технические навыки. Диалог с оркестром: в инструментальном концерте солирующий инструмент общается с оркестром, выполняя мелодические, ритмические или концертные функции. Концертная форма: инструментальный концерт обычно имеет многодвижной характер, состоящий из отдельных музыкальных частей или движений. Богатство инструментальных возможностей: инструментальные концерты позволяют раскрыть полный спектр звуковых возможностей конкретного инструмента, а также взаимодействие с остальными инструментами оркестра. Инструментальные концерты пишутся для разных инструментов, таких как фортепиано, скрипка, виолончель, флейта, кларнет, труба и других. Они представляют собой важный жанр в классической музыке и оказывают значительное влияние на развитие музыкального искусства в целом.
Исторический обзор Инструментальные концерты имеют богатую историю, которая началась еще в эпоху барокко. Один из самых ранних примеров инструментального концерта — «Четыре времени года» Антонио Вивальди, который был опубликован в 1725 году.
Инструментальный концерт это кратко
Основные особенности инструментального концерта Инструментальный концерт — это музыкальное произведение, в котором главную роль исполняют музыкальные инструменты, а не вокал. Инструментальный концерт – инструментальное произведение из 3-х частей, для солиста и оркестра, строится, по принципу контраста. Инструментальный концерт — это жанр музыки, в котором солист выступает вместе с оркестром или другими инструменталистами. коротко о жанре инструментального концерта, для детей 6 класс.
Музыка. 6 класс
Были переложены шесть концерт Вивальди для фортепиано и органа, которые долгое время считались написанными самим Бахом. Творчество А. Вивальди оказало большое влияние на формирование творческого стиля И. Баха, особенно первые скрипичные концерты Вивальди. Вы ещё раз обратитесь к музыке 1-й части концерта «Весна», но прослушивание будет необычным: вы будете и слушать, и смотреть фрагмент балета «Времена года» на музыку А. Вивальди в постановке выдающегося французского хореографа-постановщика Р. Балет исполняет Марсельская труппа.
Спектакль «Времена года» ставился разными хореографами на разную музыку. Многими композиторами была написана музыка на эту тему, это — А. Вивальди, П. Чайковский, А. Глазунов и др. Существовали разные версии постановок спектаклей: это четыре времени года, четыре времени жизни, четыре времени дня.
Сегодняшний спектакль хореографа Р. Пети поставлен на тему Баланчина. Обратимся к Энциклопедии «Балет». Джордж Баланчин, родился в 1904 году, американский балетмейстер. Его творчество способствовало формированию нового направления в хореографии. Ставил драматические, комедийные, фарсовые балеты, основанные часто на несложном сюжете, где действие раскрывалось средствами танца и пантомимы; стиль балета во многом определялся декоративным оформлением, в котором был определённый смысл.
Это направление в его творчестве получило наибольшее развитие после 1934 года. Баланчин стал создавать балеты на музыку, которая не была предназначена для танца сюиты, симфонии, том числе концерт «Времена года». В этих балетах сюжет отсутствует, содержание раскрывается в развитии музыкально-хореографических образов. Мысль о создании балета на тему Баланчина, бессюжетного балета, неоклассики, танца ради танца, посещала хореографа. Итог этого желания — создание балета «Времена года». Ролан — человек — импрессионист, поддающийся впечатления.
Благодаря фантастической музыке А. Вивальди и творческой фантазии хореографа был поставлен сегодняшний спектакль. Одна из отличительных черт Р. Пети как балетмейстера — простота и ясность хореографического текста. Пети — человек, который может творить абсолютно во всех направлениях и во всех жанра: он ставил танцы для кинофильмов, много ревю для мюзиклов, драматических спектаклей. Он ставил спектакли, где танец являлся чем-то божественным, тем, что приносит удовольствие и радость для тех, кто находится в зрительном зале.
Пети — человек, который обожает всё красивое. Для своей хореографии он руководствуется всегда только одним критерием — красота, гармоничное сочетание музыкальности и красоты. Балет «Времена года» исполняется на одной из самых красивых площадей мира — площади Сан-Марко в Венеции. Божественная архитектура площади является декорацией к этому спектаклю. Артисты, которые исполняют спектакль, ушли в легенду, так как они были звёздами 70-80 годов. Их творчество и талант высоко ценил Р.
В частности, Доменик Кольфуни — одна из самых любимых балерин Пети. Кольфуни была балериной Парижской Национальной оперы , но по просьбе Р. Пети уехала в Марсель. Для неё Р. Пети создал много спектаклей, в частности, спектакль «Моя Павлова». Как когда-то А.
Павлова была идеалом для балетмейстера М. Фокина, такой же «Павловой» стала Д. Кольфуни для Р. Просмотр фрагмента балета» Времена года», «Весна». Интерес музыкантов-профессионалов к музыке эпохи барокко не иссякает. В 1997 году известным итальянским клавесинистом и знатоком барокко Андреа Марконом был создан Венецианский барочный оркестра.
Этот коллектив за четыре года приобрёл известность как одного из лучших ансамблей барочного инстументального исполнительства, в первую очередь, как убедительного интерпретатора музыки Антонио Вивальди. Многочисленные концерты и оперные постановки оркестра во многих странах Европы получили широкое признание не только в широкой слушательской среде, но и среди музыкальных критиков. Оркестр своими исполнениями подарил слушателям новое прочтение сочинений А. Вивальди, Ф. Кавалли, Б. В минувшем концертном сезоне прошли концерты в 28 городах США со скрипачом Робертом Мак-Даффи, гастроли в Японии и Корее с участием скрипача Джулиано Карминьоло, была исполнена программа из сочинений Антонио Вивальди в одном из лучших концертных залов Амстердама — Concertogebouw.
Обширная дискография оркестра удостоена многих престижных наград. Она включает в себя записи скрипичных концертов Вивальди и Локателли, альбом симфоний и концертов для струнных Вивальди, многие произведения композиторов эпохи барокко в исполнении выдающихся музыкантов современности. Интерес к музыке А. Вивальди не иссякает. Его стиль узнаваем для широкого круга слушателей, музыка ярка и не теряет своих красок. Пример тому — обращение современного хореографа Р.
Пети к музыке Вивальди и его прекрасная постановка балета «Времена года», создание новых инструментальных оркестров. В чём секрет такой популярности музыки А. Слушая музыку композитора далёкого прошлого, что радовало и огорчало человека? К чему стремился, о чем он размышлял и как воспринимал мир? Музыка А. Вивальди, понятна музыка прошлого.
Чувства, мысли переживания современного человека нисколько не изменились по сравнению с прошлым. Это радость жизни, восприятие окружающего мира, которое в музыки Вивальди позитивно и жизнеутверждающе. Концерты в творчестве А. Вивальди явились продолжением развития жанра инструментального концерта, получив законченную форму, ставшую образцом для последующих поколений европейских композиторов. Домашняя работа : задание в творческой тетради по теме «Инструментальный концерт». Посетителям филармонии знакома та особая, приподнятая атмосфера, которая царит в зале, где исполняется инструментальный концерт.
Особый интерес вызывает соревнование солиста с целым коллективом — оркестром.
Вивальди были созданы как concerti grossi, так и сольные К. Партия солирующего инструмента в сольных К. Развитие музыки строилось на противопоставлении tutti и solo, контрасты к-рых подчёркивались динамич. Преобладала фигурационная фактура ровного движения чисто гомофонного или полифонизированного склада. Концертирование солиста, как правило, имело характер орнаментальной виртуозности. Средняя часть писалась в ариозном стиле обычно патетич. Такой тип К.
К нему принадлежат и клавирные К. Бахом некоторые из них представляют обработки собственных скрипич. Эти сочинения И. Баха, как и К. Генделя, положили начало развитию фп. Гендель является также родоначальником органного К. Во 2-й пол. Концертный цикл, как правило, насчитывал только 3 части, в нём отсутствовала 3-я часть полного, четырёхчастного цикла, т.
Литольфа, И. Брамса, в 1-м К. Установились и нек-рые особенности в построении отдельных частей К. В 1-й части применялся принцип двойной экспозиции - сначала темы главной и побочной партий звучали в оркестре в осн. Сопоставление, соревнование солиста и оркестра проходило преимущественно в разработке. Сравнительно с доклассич. У Моцарта фактура К. Как Моцарт, так и Бетховен избегают какого-либо штампа в построении своих К.
Концерты Моцарта и Бетховена составляют высочайшие вершины развития этого жанра. В эпоху романтизма наблюдается отход от классич. Романтики создали одночастный К.
Инструментальный концерт может быть исполнен вообще одним музыкантом например, так предстает перед зрителями Виктор Зинчук, Джо Сатриани и еще многие современные исполнители , а может выступать целый симфонический оркестр — все определяется стилем музыки, который будет исполняться. Надо отметить, что основная аудитория здесь — это тонкие ценители музыки, которые знают толк в искусстве.
Жил и творил в эпоху барокко Был создателем жанра — инструментального концерта. Этот цикл объединил четыре концерта для солирующей скрипки и струнного оркестра. И радостною песней Полна природа. Солнце и тепло, Журчат ручьи.
И праздничные вести Зефир разносит, Точно волшебство.
ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЙ КОНЦЕРТ
Главная» Новости» Что такое инструментальный концерт в музыке. Определение и особенности Основная цель инструментального концерта — продемонстрировать технические возможности инструмента и музыкальные навыки исполнителя. Определение и характеристики Инструментальный концерт — это музыкальное произведение, в котором солирование осуществляется инструментом, а не голосом. Инструментальный концерт – это форма музыкального произведения, в которой один или несколько инструментов играют соло с оркестром.
Музыка. 6 класс
| Дай определение понятиям.Инструментальный концертПрограммная музыка - | Особенности формы инструментального концерта Инструментальный концерт: форма и структура Инструментальный концерт — это музыкальное произведение, в котором солист или несколько солистов выступает вместе с оркестром. |
| Сайт учителя музыки Пономаревой Е.Н. - Урок 24. Инструментальный концерт | Инструментальный концерт в музыке: определение Инструментальный концерт — это жанр музыки, в котором соло-инструмент представляет собой главную и центральную роль. |
| Инструментальный концерт | Инструментальный концерт — это музыкальная форма, в которой исполняется музыка для инструментов без сопровождения вокала. |
| Значение слова инструментальный концерт | коротко о жанре инструментального концерта, для детей 6 класс. |
Значение слова инструментальный концерт
Концерты, как сценические действа появились в конце семнадцатого века, в восемнадцатом, девятнадцатом веках они играли ведущую роль в общественной жизни. это одна из наиболее известных форм классической музыки, в которой указанный номер работает совместно с оркестром. Конце́рт — музыкальное произведение, чаще всего для одного или нескольких солирующих инструментов с оркестром. Существуют также концерты для одного инструмента — без. Сольный инструментальный концерт был рассчитан на широкую аудиторию, для которого были присущи элементы зрелищности, некоторой театральности, проявляющуюся в состязании солиста и оркестра – в беспрестанном чередовании tutti и solo.
Инструментальный концерт
Реализацией заданной семантической задачи стала сонатная форма, функции которой заключались в том, чтобы начальную неустойчивость усилить, обострить и лишь в конце достигнуть равновесия. Масштабность, выбор нетипичных оркестровых составов, монументальность циклов классического фортепианного концерта способствовало активизации процесса раскрепощения границ концертного жанра. В результате подобных новаторских допущений, композиторы получили больше возможностей для реализации собственных художественных замыслов. Следует отметить, что помимо музыкальной драматургии, формы классический фортепианный концерт демонстрирует не свойственное концертам предшествующих эпох отношение к каденции, тематизму, трансформируются отношения солиста и оркестра.
Как свидетельствуют исследователи, жанр классического фортепианного концерта можно сравнивать с театральным действием, в котором музыкальная игровая логика выступает как логика игровых ситуаций, превращается в логику сценического действия, позволяющую средствами концертного жанра реализовать сложную драматургию и скрытый авторский подтекст. Новаторством, определяющим облик фортепианного концерта эпохи классицизма, явилось также отношение композиторов и исполнителей к каденции. Как свидетельствуют исследователи, в концертном жанре, предшествующих классицизму эпох, каденциям уделялось особое внимание.
Именно каденции демонстрировали творческую изобретательность, а также виртуозность исполнителя. Каденция должна была соответствовать общему настроению произведения и включать его важнейшие темы. Каждый виртуоз высокого класса должен был владеть этим искусством.
Умение импровизировать являлось не только обязанностью музыканта, но и правом, которым он пользовался при исполнении чужих авторских сочинений. Следует отметить, что каденции, встречающиеся в барочных инструментальных концертах, доставляли немало мучений неопытным исполнителям, неискушенным в импровизации. Многие исполнители выучивали каденции заранее.
Постепенно, вставные каденции начали вытесняться из концертов. Именно в период венского классицизма произошел кардинальный перелом в природе каденционных построений, который завершил переход каденций из рамок импровизационной культуры в сугубо письменную традицию. В сформировавшейся классической концертной форме, каденция, как виртуозное соло исполнителя, являлась обязательной частью формы.
Первый шаг в этом направлении сделал Л. В фортепианном концерте эпохи классицизма были распространены виртуозные сложнейшие каденции. Начало каденции, чаще всего, было подчеркнуто или ярким аккордом или виртуозным пассажем.
В момент звучания этого фрагмента концерта, внимание слушателя многократно обострялось. Принципы, по которым выстраивалась каденция, конкретизированы элементами неожиданности, ярким виртуозным началом, эффектностью. Исследуя особенности формирования и развития каденции в фортепианном концерте, целесообразно процитировать правила из «Фортепианной школы» Д.
Тюрка: «Каденция, не только должна поддерживать впечатление, произведенное музыкальной пьесой, но, насколько это возможно, усилить его. Наиболее верный путь достичь этого — изложить в каденции чрезвычайно сжато важнейшие основные мысли или напомнить о них с помощью оборотов. Поэтому каденция должна быть теснейшим образом связана с исполняемой пьесой и более того, из нее, главным образом, черпать свой материал.
Каденция, как и всякое свободное орнаментирование, должна состоять не из намеренно привнесенных трудностей, а скорее из таких мыслей, которые соответствуют основному характеру пьесы». Фортепианный концерт эпохи классицизма является жанром, в котором происходит утверждение музыкальной темы, не только как носителя определенной выразительности, но и как художественного образа, который заключает в себе потенциальные возможности развития. Именно в фортепианных концертах композиторы венской классической школы достигают высочайшего мастерства в области тематического развития, разработки, используя самые различные приемы — изменение тональности, гармонизации, ритма, элементов мелодии.
Так же характерно расчленение темы на отдельные мотивы, которые сами подвергаются различным преобразованиям и по-разному комбинируются друг с другом. Тематический материал фортепианных концертов венских классиков отличается образной рельефностью и индивидуальной характерностью. В числе важнейших музыкальных истоков — народная музыка.
Опираясь на богатства народно-песенного искусства, представители венской классической школы пришли к новому пониманию мелодии, ее функций и возможностей. Особым своеобразием отмечен музыкальный тематизм фортепианных концертов венских классиков, испытавший на себе влияние итальянского стиля belcanto. Как утверждал Г.
Телеман: «Пение — всеобщая основа музыки. Кто берется за сочинение — должен петь в каждой из частей. Кто играет на инструментах — должен быть в пении сведущ».
Поскольку belcanto предполагает сочетание прекрасной кантилены и виртуозной орнаментики, в классических фортепианных концертах выделяются темы двух видов: темы близкие к вокальной кантилене и виртуозные тематические комплексы. В связи с этим, солист предстаёт в двух амплуа — как вдохновлённый музыкант и исполнитель-виртуоз. Представители венской классической школы достаточно интересно и многообразно реализовали себя в жанре фортепианного концерта, тем самым вызвав интерес и развитие данного жанра в эпоху романтизма, а также в творчестве композиторов XX века.
В качестве важнейших специфических свойств жанра фортепианного концерта исследователи традиционно выделяют следующие: игровую логику, виртуозность, импровизационность, состязательность, концертирование. Жанрообразующим принципом классического концерта является игра. Именно в инструментальном концерте наиболее полно реализуются ключевые компоненты игры — противопоставление различных начал и состязательность.
В музыкознании понятие игровая музыкальная логика использовано Е. В гениальном труде учёного «Логика музыкальной композиции» представлено определение исследуемой дефиниции, как логики концертирования, столкновения различных инструментов и оркестровых групп, различных компонентов музыкальной ткани, разных линий поведения, образующих вместе «стереофоническую», театрального характера картину развивающегося действия. Поскольку понятие игры является определяющим для концертного жанра, остановимся более подробно на его характеристике.
В энциклопедической литературе представлено следующее определение игры: «игра — вид осмысленной непродуктивной деятельности, где мотив лежит как в ее результате, так и в самом процессе». Игра является атрибутом любого музыкально-театрального действа. Среди современных концепций игры, особое место занимает теория нидерландского историка культуры Й.
Хейзинги, который рассматривал культурологическую функцию игры в ее историческом развитии. В работах ученого говорится о том, что «игра» — это, прежде всего, свободная деятельность. Игра по приказу уже больше не игра.
Хейзинга находит взаимосвязь музыки и игры через попытки найти общие для обоих понятий термины. Тоже относится к музыкальному выражению и музыкальным формам. Законы игры действуют вне норм разума, долга и истины.
Тоже верно и для музыки… В любой музыкальной деятельности лежит игра. Служит ли музыка развлечению и радости, или стремится выражать высокую красоту, или имеет священное литургическое назначение — она всегда остается игрой». Игра развертывается перед слушателем как увлекательная цепь событий, каждое из которых, являясь откликом на предшествующее, в свою очередь порождает новые отклики или новое течение мысли.
Игровая логика развивается в музыке как игре на инструменте. Как отмечал великий немецкий композитор Р. Шуман, «слово «играть» — очень хорошее, так как игра на инструменте должна быть тем же, что и игра с ним.
Кто не играет с инструментом, не играем и на нем». В жанре концерта игровая логика имеет огромное значение. Градация динамики в микромире игровой логики часто выступает как средство контрастных сопоставлений, вторжений, неожиданных акцентов.
Как отмечает Е. Назайкинский, на композиционном уровне игровая логика может проявляться в особой трактовке формы. На синтаксическом — в особых «игровых фигурах».
В качестве подобных «игровых фигур» учёный выделяет такие как: смена модуса, интонационная ловушка, вторжение, оспаривание, реплика-втора, незаметно вкрадывающееся повторение, обрывающий удар, переворот, наложение, слияние, преодоление препятствия, застрявший тон, вариантный подхват, игровая ошибка и др. Следует отметить, что участниками игрового действа могут выступать как определённые тематические построения, так и небольшие мотивы, краткие музыкальные реплики. Их сочетание являют основу инструментально-игровой логики.
Игровая природа фортепианного концерта реализуется посредством виртуозности.
В основу музыкального тематизма «Концерта» композитор положил народные мелодии, но каждый мотив, искусно обработав, превратил в сверкающую драгоценность. Первая часть открывается развёрнутой интродукцией с величественной темой, которую именуют Гимном жизни.
Далее творческая фантазия автора преподносит слушателям неожиданные контрастные сюрпризы: от мощных динамических подъёмов, до моментов умиротворённого покоя. Вторая часть — это прекрасный образец светлой поэтической лирики. Пасторальный окрас музыки крайних частей раздела погружает в атмосферу спокойствия и безмятежности.
Средний эпизод хоть и пролетает в игриво — скерцозном настроении, но общего идиллического характера музыки не нарушает. Третья часть произведения — ликующий финал, переносящий в жизнерадостный мир народного празднества. Данное сочинение, входящее в число самых известных произведений композитора, заслуживает только восторженных эпитетов.
В его выразительной и наполненной благородством эмоциональной музыке, воспета радость жизни и любовь к Отчизне. Первый раздел Moderato открывается напряжёнными аккордами солирующего инструмента, напоминающими грозные удары набата. Далее вступает величественная тема, отображающая светлый образ Родины.
Она развивается не торопясь, но затем предстаёт во всей своей могучей красоте. Вторая часть Adagio sostenuto — это лирический раздел. Его спокойная мечтательная музыка символизирует гармонию не только в природе, но и согласие человека с самим собой.
Третья часть Allegro scherzando. В финале концерта, окрашенном радостными перезвонами, автор вновь возвращается к образам первой части и со всей величавостью утверждает триумфальную победу светлых сил. Хачатурян «Концерт для скрипки с оркестром».
Произведение написано в традиционной трёхчастной классической форме. Первая часть Allegro con fermezza — искромётное сонатное аллегро, жизнеутверждающая тема которого пропитана национальным колоритом. Вторая часть Andante sostenuto.
Чарующая музыка данного раздела в воображении рисует красоту прекрасных горных пейзажей Армении, а лирическая мелодия солирующей скрипки напоминает задушевную песню армянского ашуга. Третья часть Allegro vivace — праздничный финал. В данном разделе автор колоритно отображает картину, наполненного радостью народного праздника, с песнями, танцами и всеобщим весельем.
История Начало истории инструментального концерта следует искать в стародавние времена, так как ещё в глубокой древности людей привлекало ансамблевое музицирование, в котором одному из инструментов поручалась солирующая функция. Время безостановочно шло вперёд и в процессе интенсивного развития в искусстве постоянно создавались новые формы и жанры. Так в Италии в конце XVI века в церковной музыке появился новый термин - «духовный концерт».
Этим словом стали называть сопровождающиеся органом либо инструментальным ансамблем полифонические вокальные композиции, в которых сопоставлялись партии двух или более исполнительских голосов. Вскоре термин «концерт» стал употребляться не только в церковной вокальной, но и в светской инструментальной музыке. Так с середины XVII века появились произведения, в которых контрастно сопоставлялось звучание оркестровой группы — рипиено и партии солирующего инструмента или же группы солистов, именуемых концертино.
Изначально такие сочинения назывались «Concerto da camera», то есть камерный концерт. Например, итальянский композитор Джузеппе Торелли сочинял подобные инструментальные концерты не только для различных струнных, но и духовых инструментов, причём количество солистов в его произведениях варьировалось от одного до четырёх.
Вскоре термин «концерт» стал употребляться не только в церковной вокальной, но и в светской инструментальной музыке. Так с середины XVII века появились произведения, в которых контрастно сопоставлялось звучание оркестровой группы — рипиено и партии солирующего инструмента или же группы солистов, именуемых концертино. Изначально такие сочинения назывались «Concerto da camera», то есть камерный концерт. Например, итальянский композитор Джузеппе Торелли сочинял подобные инструментальные концерты не только для различных струнных, но и духовых инструментов, причём количество солистов в его произведениях варьировалось от одного до четырёх. Впоследствии произведения такой формы претерпели значительное преображение и получили название «Concerto grosso» - большой концерт. Неоценимый вклад в развитие этого нового жанра внёс итальянский композитор и скрипач Арканджело Корелли, создававший как церковные, так и светские концерты, которые друг от друга, безусловно, отличались по содержанию. Необходимо заметить, что ни в одном из его «Concerto grosso» не было установленного расположения и чётко обозначенного количества частей. Инструментальный концерт с солистами-инструменталистами, а помимо того с определёнными элементами театральной зрелищности стал быстро набирать популярность и соответственно стремительно распространяться не только в Италии, но и в других европейских странах, где композиторы подхватили его без промедления.
Они тоже вносили свой вклад в развитие нового жанра, например, в роли солирующего инструмента впервые представили клавесин , которому поначалу доставалась только аккомпанирующая функция. Прошло несколько десятилетий, в течение которых «Concerto grosso» динамично процветал в творчестве композиторов. Было написано немало прекрасных произведений, среди которых особенно выделялась коллекция скрипичных трёхчастных концертов Томазо Альбинони. Такая новация в форме пришлась по нраву молодому талантливому композитору Антонио Вивальди , сочинившему более пятисот произведений данного жанра и окончательно сформировавшему сольный инструментальный концерт. Его композиции имели три контрастные части: первая и третья — быстрые и динамичные, а средняя — лирическая и напевная. В качестве солирующих инструментов Вивальди использовал не только свою любимую скрипку, но и самые разные духовые инструменты: флейту, гобой, фагот, трубу и валторну. Яркий музыкальный материал своих концертов Вивальди строил на противоборстве всего оркестра и партии солиста, основанной на новой виртуозной исполнительской технике. Кроме того, композитор регулярно стал вводить в текст изящный повторяющийся пассаж ритурнель, который постоянно применялся в музыке балетных спектаклей. Концерты Вивальди вызывали восторг и восхищение, как в Италии, так и в других странах. Это выражалось даже в том, что многие композиторы, среди которых Иоганн Себастьян Бах и Георг Фридрих Гендель , начали сочинять похожие произведения.
К тому же Бах, создавая уникальные концерты, поражающие своей гибкостью и красотой, развил достижения итальянского композитора. Он также как и Вивальди писал произведения данного жанра в трёхчастной форме и с ладовым контрастом, только в отличие от своего итальянского коллеги отдавал предпочтение не скрипичным, а клавирным концертам, чем подготовил основу для развития фортепианного концерта. Популярность жанра инструментального концерта продолжала всё больше возрастать. К концу XVIII века получили распространение такие разновидности жанра, как концерт с оркестром для одного солирующего инструмента, двух — «двойной», трёх— «тройной» и даже четырёх, а также концерты без солистов, именуемые рипиено или концерты только для солирующего инструмента без оркестра. Когда на смену барокко пришла эпоха классицизма, инструментальный концерт в своём развитии уверенно шагнул вперёд. Именно в этот период в творчестве «венских классиков»: Гайдна, Моцарта и Бетховена, в полной мере утвердилась основная трёхчастная форма. Поначалу первая часть сочинялась в форме сонатного аллегро с двойной экспозицией, то есть главная и побочная партии сначала звучали в исполнении оркестра, а затем у солирующего инструмента. Однако со временем такая особенность утратилась. Так же в заключение данного раздела стала предусматриваться каденция — виртуозный эпизод, в котором солист, импровизируя, демонстрировал своё техническое мастерство. Второй — медленный раздел писался на усмотрение автора произведения и какой-либо определённой формы не имел.
В третьей, заключительной части концерта предпочтение вновь отдавалось оживлённому темпу, и потому она сочинялась в сонатной форме или форме рондо. Такая структура концерта, которая в нынешнее время называется классической, была заложена Гайдном и Моцартом , а затем переродилась и утвердилась в творчестве Бетховена. Именно Бетховен превратил концерт из галантного и развлекательного произведения в композицию, наполненную идейным содержанием, то есть приблизил его к симфонии.
Изначально такие сочинения назывались «Concerto da camera», то есть камерный концерт.
Например, итальянский композитор Джузеппе Торелли сочинял подобные инструментальные концерты не только для различных струнных, но и духовых инструментов, причём количество солистов в его произведениях варьировалось от одного до четырёх. Впоследствии произведения такой формы претерпели значительное преображение и получили название «Concerto grosso» - большой концерт. Неоценимый вклад в развитие этого нового жанра внёс итальянский композитор и скрипач Арканджело Корелли, создававший как церковные, так и светские концерты, которые друг от друга, безусловно, отличались по содержанию. Необходимо заметить, что ни в одном из его «Concerto grosso» не было установленного расположения и чётко обозначенного количества частей.
Инструментальный концерт с солистами-инструменталистами, а помимо того с определёнными элементами театральной зрелищности стал быстро набирать популярность и соответственно стремительно распространяться не только в Италии, но и в других европейских странах, где композиторы подхватили его без промедления. Они тоже вносили свой вклад в развитие нового жанра, например, в роли солирующего инструмента впервые представили клавесин , которому поначалу доставалась только аккомпанирующая функция. Прошло несколько десятилетий, в течение которых «Concerto grosso» динамично процветал в творчестве композиторов. Было написано немало прекрасных произведений, среди которых особенно выделялась коллекция скрипичных трёхчастных концертов Томазо Альбинони.
Такая новация в форме пришлась по нраву молодому талантливому композитору Антонио Вивальди , сочинившему более пятисот произведений данного жанра и окончательно сформировавшему сольный инструментальный концерт. Его композиции имели три контрастные части: первая и третья — быстрые и динамичные, а средняя — лирическая и напевная. В качестве солирующих инструментов Вивальди использовал не только свою любимую скрипку, но и самые разные духовые инструменты: флейту, гобой, фагот, трубу и валторну. Яркий музыкальный материал своих концертов Вивальди строил на противоборстве всего оркестра и партии солиста, основанной на новой виртуозной исполнительской технике.
Кроме того, композитор регулярно стал вводить в текст изящный повторяющийся пассаж ритурнель, который постоянно применялся в музыке балетных спектаклей. Концерты Вивальди вызывали восторг и восхищение, как в Италии, так и в других странах. Это выражалось даже в том, что многие композиторы, среди которых Иоганн Себастьян Бах и Георг Фридрих Гендель , начали сочинять похожие произведения. К тому же Бах, создавая уникальные концерты, поражающие своей гибкостью и красотой, развил достижения итальянского композитора.
Он также как и Вивальди писал произведения данного жанра в трёхчастной форме и с ладовым контрастом, только в отличие от своего итальянского коллеги отдавал предпочтение не скрипичным, а клавирным концертам, чем подготовил основу для развития фортепианного концерта. Популярность жанра инструментального концерта продолжала всё больше возрастать. К концу XVIII века получили распространение такие разновидности жанра, как концерт с оркестром для одного солирующего инструмента, двух — «двойной», трёх— «тройной» и даже четырёх, а также концерты без солистов, именуемые рипиено или концерты только для солирующего инструмента без оркестра. Когда на смену барокко пришла эпоха классицизма, инструментальный концерт в своём развитии уверенно шагнул вперёд.
Именно в этот период в творчестве «венских классиков»: Гайдна, Моцарта и Бетховена, в полной мере утвердилась основная трёхчастная форма. Поначалу первая часть сочинялась в форме сонатного аллегро с двойной экспозицией, то есть главная и побочная партии сначала звучали в исполнении оркестра, а затем у солирующего инструмента. Однако со временем такая особенность утратилась. Так же в заключение данного раздела стала предусматриваться каденция — виртуозный эпизод, в котором солист, импровизируя, демонстрировал своё техническое мастерство.
Второй — медленный раздел писался на усмотрение автора произведения и какой-либо определённой формы не имел. В третьей, заключительной части концерта предпочтение вновь отдавалось оживлённому темпу, и потому она сочинялась в сонатной форме или форме рондо. Такая структура концерта, которая в нынешнее время называется классической, была заложена Гайдном и Моцартом , а затем переродилась и утвердилась в творчестве Бетховена. Именно Бетховен превратил концерт из галантного и развлекательного произведения в композицию, наполненную идейным содержанием, то есть приблизил его к симфонии.
Помимо того Бетховен заметно технически усложнил партию солиста, а также первым из композиторов записал каденцию для солирующего инструмента и этим показал какое немаловажное значение она имеет в развитии произведения. В наступившей после классицизма эпохе романтизма симфонизация инструментального концерта, заложенная Бетховеном, была продолжена в творчестве многих композиторов, среди которых Никколо Паганини , Роберт Шуман, Фредерик Шопен , Феликс Мендельсон, Иоганнес Брамс , Эдвард Григ, Ференц Лист.
Инструментальный концерт
Инструментальный концерт в музыке: определение, особенности, история. Главная» Новости» Что такое инструментальный концерт в музыке. Инструментальный концерт – инструментальное произведение из 3-х частей, для солиста и оркестра, строится, по принципу контраста.
Инструментальный концерт: история, понятие, специфика
это музыкальное произведение для инструментального исполнения, состоящее из Антонио Вивальди – скрипач-виртуоз, дирижер и педагог, один из Цикл «Времена года» Вершина творчества Вивальди. Определение и особенности Основная цель инструментального концерта — продемонстрировать технические возможности инструмента и музыкальные навыки исполнителя. Особенности формы инструментального концерта Инструментальный концерт: форма и структура Инструментальный концерт — это музыкальное произведение, в котором солист или несколько солистов выступает вместе с оркестром. Инструментальный концерт — это музыкальная форма, в которой исполняется музыка для инструментов без сопровождения вокала. Основные особенности инструментального концерта Инструментальный концерт — это музыкальное произведение, в котором главную роль исполняют музыкальные инструменты, а не вокал. Инструментальный концерт — это выступление музыкантов, которые исполняют произведения, не предусматривающие вокальных партий.
Лучшие новости Рунета
- Дай определение понятиям.инструментальный концертпрограммная музыка —
- Что такое инструментальный концерт это?
- Что такое инструментальный концерт это?
- Значение слова инструментальный концерт - определение слова инструментальный концерт
ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЙ КОНЦЕРТ
Он отличается от вокального концерта, где основным сольным инструментом является голос. Основные характеристики инструментального концерта: Солистичность: инструментальный концерт предполагает сольное исполнение определенного инструмента, который выделяется из оркестра. Виртуозность: инструментальные концерты часто требуют высокого мастерства исполнителя и демонстрируют его технические навыки. Диалог с оркестром: в инструментальном концерте солирующий инструмент общается с оркестром, выполняя мелодические, ритмические или концертные функции. Концертная форма: инструментальный концерт обычно имеет многодвижной характер, состоящий из отдельных музыкальных частей или движений. Богатство инструментальных возможностей: инструментальные концерты позволяют раскрыть полный спектр звуковых возможностей конкретного инструмента, а также взаимодействие с остальными инструментами оркестра. Инструментальные концерты пишутся для разных инструментов, таких как фортепиано, скрипка, виолончель, флейта, кларнет, труба и других. Они представляют собой важный жанр в классической музыке и оказывают значительное влияние на развитие музыкального искусства в целом. Исторический обзор Инструментальные концерты имеют богатую историю, которая началась еще в эпоху барокко.
Один из самых ранних примеров инструментального концерта — «Четыре времени года» Антонио Вивальди, который был опубликован в 1725 году. После барокко пришла эпоха классицизма, в которой инструментальные концерты стали еще более популярными. В этот период были написаны знаменитые концерты для фортепиано Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена. В XIX веке, в эпоху романтизма, инструментальные концерты стали еще более разнообразными и эмоциональными. Одним из наиболее известных инструментальных концертов этого времени является «Концерт для скрипки и оркестра» Петра Ильича Чайковского. В XX веке музыкальные композиторы начали экспериментировать с формой и звуком в своих инструментальных концертах. Примером может служить «Концерт для двух фортепиано и оркестра» Франсиса Пуленка. В настоящее время инструментальные концерты не теряют своей популярности и продолжают писаться и исполняться в различных жанрах и стилях музыки.
Особенности композиции Инструментальные концерты отличаются рядом особенностей, которые делают их уникальными и запоминающимися произведениями: Использование сольных инструментов. Одной из главных особенностей инструментального концерта является наличие сольного инструмента, который играет ведущую роль в музыкальной композиции. Этот инструмент выделяется из общего звукового фона и представляет собой главный музыкальный элемент произведения. Большой оркестр. Инструментальные концерты часто исполняются с участием симфонического или камерного оркестра.
Надо отметить, что основная аудитория здесь — это тонкие ценители музыки, которые знают толк в искусстве.
Развитие жанра концерта как сочинения для одного или нескольких «двойной», « тройной », «четверной» концерт солирующих инструментов с оркестром продолжилось в XIX веке в творчестве Никколо Паганини , Роберта Шумана , Феликса Мендельсона , Иоганнеса Брамса , Ференца Листа , Петра Чайковского , Макса Бруха и многих других композиторов. При этом в сочинениях композиторов-романтиков наблюдался отход от классической формы концерта, в частности, был создан одночастный концерт малой формы концертштюк или концертино и крупной формы, по построению соответствовавший симфонической поэме , с характерными для него монотематизмом и принципом «сквозного развития»; таковы, в частности, фортепианные концерты Ференца Листа [1]. На протяжении XVIII—XX веков были созданы концерты практически для всех «классических» европейских инструментов — фортепиано, скрипки , виолончели , альта и даже контрабаса прежде всего концерты Карла Диттерсдорфа и Джованни Боттезини , деревянных и медных духовых [1]. Существуют также произведения, не являющиеся концертами формально, но несущие черты этого жанра, например Турангалила-симфония или Концерт для оркестра Бела Бартока , в котором, как и в старинном рипиено концерте, отсутствуют солирующие инструменты [5]. К концу эпохи классицизма сформировалась классическая структура концерта. Аллегро в сонатной форме. Медленная, чаще в форме арии, в 3-х частях.
В гениальном труде учёного «Логика музыкальной композиции» представлено определение исследуемой дефиниции, как логики концертирования, столкновения различных инструментов и оркестровых групп, различных компонентов музыкальной ткани, разных линий поведения, образующих вместе «стереофоническую», театрального характера картину развивающегося действия. Поскольку понятие игры является определяющим для концертного жанра, остановимся более подробно на его характеристике. В энциклопедической литературе представлено следующее определение игры: «игра — вид осмысленной непродуктивной деятельности, где мотив лежит как в ее результате, так и в самом процессе». Игра является атрибутом любого музыкально-театрального действа. Среди современных концепций игры, особое место занимает теория нидерландского историка культуры Й. Хейзинги, который рассматривал культурологическую функцию игры в ее историческом развитии. В работах ученого говорится о том, что «игра» — это, прежде всего, свободная деятельность. Игра по приказу уже больше не игра. Хейзинга находит взаимосвязь музыки и игры через попытки найти общие для обоих понятий термины. Тоже относится к музыкальному выражению и музыкальным формам. Законы игры действуют вне норм разума, долга и истины. Тоже верно и для музыки… В любой музыкальной деятельности лежит игра. Служит ли музыка развлечению и радости, или стремится выражать высокую красоту, или имеет священное литургическое назначение — она всегда остается игрой». Игра развертывается перед слушателем как увлекательная цепь событий, каждое из которых, являясь откликом на предшествующее, в свою очередь порождает новые отклики или новое течение мысли. Игровая логика развивается в музыке как игре на инструменте. Как отмечал великий немецкий композитор Р. Шуман, «слово «играть» — очень хорошее, так как игра на инструменте должна быть тем же, что и игра с ним. Кто не играет с инструментом, не играем и на нем». В жанре концерта игровая логика имеет огромное значение. Градация динамики в микромире игровой логики часто выступает как средство контрастных сопоставлений, вторжений, неожиданных акцентов. Как отмечает Е. Назайкинский, на композиционном уровне игровая логика может проявляться в особой трактовке формы. На синтаксическом — в особых «игровых фигурах». В качестве подобных «игровых фигур» учёный выделяет такие как: смена модуса, интонационная ловушка, вторжение, оспаривание, реплика-втора, незаметно вкрадывающееся повторение, обрывающий удар, переворот, наложение, слияние, преодоление препятствия, застрявший тон, вариантный подхват, игровая ошибка и др. Следует отметить, что участниками игрового действа могут выступать как определённые тематические построения, так и небольшие мотивы, краткие музыкальные реплики. Их сочетание являют основу инструментально-игровой логики. Игровая природа фортепианного концерта реализуется посредством виртуозности. Акцентируем внимание на том, что определяющим элементом виртуозности является исполнительское мастерство музыканта, который должен быть намного лучше среднего исполнителя. Виртуоз от итал. Virtus — доблесть, талант — исполнитель мастерски владеющий техникой искусства. Данный термин предназначался для человека, отметившегося в любой интеллектуальной или художественной области. Термин со временем развивался, одновременно расширялся и сужался в размахе. Изначально музыканты удостаивались такой классификации, будучи композиторами, теоретиками или знаменитыми маэстро, что было важнее, чем мастерское исполнение. Концерт как жанр предполагает публично-демонстративное проявление мастерства музыканта-исполнителя и его виртуозности. Вместе с тем, виртуозность подчинена внутреннему содержанию музыки и является органическим элементом художественного образа. Также следует отметить, что виртуозность выражает не что иное, как артистическое начало человеческой личности и является частью исполнительского почерка самого музыканта. В жанре концерта впервые воплощается органичное единство виртуозности и певучести. Виртуозность в партии солиста, с одной стороны, делает его лидером в диалоге с оркестром, а с другой — способствует «общительности» самого концертного жанра. Не менее важным принципом, определяющим жанровую природу фортепианного концерта, является принцип состязательности. Следует отметить, что идея состязательности корнями уходит в древнюю Грецию , где родились Олимпийские игры. До настоящего времени состязательность определяет практически все сферы жизни человека, способствует творческому проявлению, а также творческой самореализации личности. Принцип состязательности в музыке, в частности в инструментальном концерте, не предполагает противоборства «всерьёз». Концертная состязательность — условная ситуация, где ощущается атмосфера диалога, выражающаяся в «общении» главных участников соревнования. Поэтому состязание в концерте — это лишь идеализированная картина противоборства соло и оркестра. Состязательность предполагает попеременное чередование реплик солиста и отыгрышей оркестра, потому одни мысли могут представать как в партии ведущего участника состязания, так и в чисто оркестровом изложении совместно с солистом либо без его участия. Следует отметить, что в концертном состязании, как и в любом игровом действии, важен не столько результат кто же первый? Различные типы соотношения оркестра и солиста, которые определяют конкретные способы фактурной организации музыкального материала, а также инструментовки концерта, конкретизированы принципами концертирования. Однако, опираясь на научные исследования немецкого музыкального историка А. Шеринга, можно говорить о более древнем происхождении этого принципа. Как утверждает исследователь, его истоки «…можно проследить вплоть до античности, до переключающегося пения в греческой трагедии и до псалмов древних евреев, которые затем снова обнаруживаются в период средневековья как антифоры в католическом ритуале». Это указание на музыкально-драматическое происхождение концертирования. По убеждению Б. Асафьева, именно посредствам концертирования реализуется характерный для концерта инструментальный диалог, основывающийся на раскрытии, импульсов, заложенных в тезисе, в роли которого могут выступать самые различные элементы, вплоть до попевки или «простейшего сопряжения звуков», не говоря уже о развернутых построених типа мелодической темы. Технология концертирования, а именно взаимодействие солиста с оркестром в жанре концерта, зарождалась в концертах А. Основополагающими моментами служат чередование tutti и solo, жанровость и программность, использование тембровых, динамических и ритмических средств выразительности. Сочетание этих особенностей, в гармоническом сочетании, повышают значимость и актуальность принципа концертирования. Следует отметить, что в эпоху венских классиков данный принцип существенно меняется. Концертирование становится тесно связано с тематическим развитием. Предусматривается импровизация солиста каденция. Партия солиста имеет характер орнаментальной виртуозности. Реализацией свободного, творческого самовыражения в фортепианном концерте является принцип импровизационности. Данный принцип символизирует высшее проявление игровой природы фортепианного концерта. Имровизационность является следствием спонтанно-творческой инициативы музыканта-исполнителя. Суть импровизационности заключается в новых элементах интерпретации произведения и аспектах музыкальной выразительности. Согласно практике того времени, пианист должен был в непринужденной импровизации пользоваться мотивами предшествующей музыки, но он мог также вплетать в нее и новые, посторонние темы. В инструментальных концертах этой эпохи имеют место музыкальные эпизоды, где оркестр молчит, а солист получает возможность показать свое умение и фантазию. Известно, что как и В. Моцарт, так и Л. Быстрота художественной реакции, яркость внезапно возникающих образов, изобретательность в острой их смене — качества, которыми должен обладать импровизатор. Импровизационной неожиданностью отмечены вступления солиста, внезапные вариационные освещения тем, сопоставления их, контрасты гармонии, оркестрового колорита. Но эти смены скреплены мудрой музыкальной логикой. Импровизационная природа характерна и для каденций классического концерта, но принцип импровизационности в каденциях классического фортепианного концерта был жестко регламентирован. Таким образом, исследовав особенности зарождения и развития фортепианного концерта, а также проанализировав специфику его жанровой природы, мы пришли к выводу о том, что фортепианный концерт — один из крупнейших монументальных жанров инструментальной музыки. Возникновение исследуемого жанра связано с зарождением гомофонного стиля в музыке. Кристаллизация основных жанровых признаков концерта многочастная контрастная структура, принцип состязательности и импровизационности, яркая образность осуществляется в эпоху барокко творчество А. Вивальди, А. Корелли, И. Баха, Г. Новую веху в истории развития жанра фортепианного концерта открывают мастера «венского классицизма» Й. Гайдн, В. Моцарт Л. Фортепианный концерт этих новаторов музыкальной лексики отличает масштабность замысла, драматизация музыкальных образов, яркость мелодики, симфоническое развитие тематического материала, виртуозность при большой органической связи солиста и оркестра. Жанровая сущность фортепианного концерта конкретизирована следующими принципами: игровая логика, виртуозность, импровизационность, состязательность, концертирование. Обозначенные принципы определяют не только особенности структуры и содержания концерта, но также формируют поле задач и методов их решения в исполнительской практике пианиста. Представленные в работе результаты не претендуют на полноту исследования проанализированной проблемы и предполагают дальнейшее развитие. Целесообразно исследовать особенности реализации жанровой природы концерта на конкретных примерах концертных сочинений композиторов-классиков, а также представителей музыкальной культуры второй половины XIX — начала XXI в. История фортепианного искусства: учебник для студентов муз. Асафьев Б. Бадура-Скода Е. Бадура-Скода, П.
Музыка. 6 класс
| Инструментальный концерт это кратко | Конце́рт — музыкальное произведение, чаще всего для одного или нескольких солирующих инструментов с оркестром. Существуют также концерты для одного инструмента — без. |
| ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЙ КОНЦЕРТ | Сольный инструментальный концерт был рассчитан на широкую аудиторию, для которого были присущи элементы зрелищности, некоторой театральности, проявляющуюся в состязании солиста и оркестра – в беспрестанном чередовании tutti и solo. |
| Инструментальный концерт: определение, история, жанры | Инструментальный концерт в музыке: определение, особенности, история. |
| Инструментальный концерт это кратко | В развитии предклассического инструментального концерта большую роль сыграли сочинения сыновей Баха, а также композиторов берлинской, мангеймской и неаполитанской школ. |
Что такое инструментальный концерт это?
Классический концерт обычно рассчитан на одного солиста, однако существуют и т. Брамса , Концерт для скрипки, виолончели и фортепиано с оркестром Л. Листа и четырёхчастные концерты у Брамса. В процессе эволюции концерта наиболее существенным было его взаимодействие с симфонией. Значительные сочинения в жанре концерта создали русские композиторы: П. Чайковский , С. Рахманинов , А. Популярны концерты Э. Грига , А. Дворжака , К.
Сен-Санса , Я. Равель , Б. Барток , А. Берг , И.
Недавно искали.
При академии наук обретаются мастера инструментальные. МАН 2 59. Инструментальное художество. АСС 9 340.
Славный виртуоз г.
Что такое концерт 3 класс? Солирующими инструментами могут быть: фортепиано, флейта, скрипка, арфа и другие инструменты. Концерт как музыкальное произведение состоял из 3 частей. Сколько частей в концерте? Сколько частей в концерте Хачатуряна? Что такое фортепианный концерт? Фортепианный концерт — один их наиболее значимых и востребованных жанров в мире музыки.
Жанровая природа концерта, конкретизируемая динамичностью, развитой игровой логикой, способностью к передаче глубоких жизненных коллизий, оказалась весьма привлекательной для композиторов различных временных и национальных традиций. Что такое музыкальный жанр концерт? Концерт с лат.